El desarrollo del pensamiento artístico es una construcción paulatina en la que intervienen varios factores, personales, colectivos, de contexto y experienciales.

Como lo menciona Tatiana Espinosa en su texto La enseñanza del arte en el plano interdisciplinario, la vía de acceso al arte es el sentimiento, en un espectador común y uno culto, claro desde niveles distintos de profundidad, entonces ¿Por qué se da tan poco espacio a la expresión de los sentimientos frente al arte? como si se mostrara falta de rigor frente al conocimiento. Desde la metodología que he desarrollado en el Museo Nacional de Arte (MUNAL+ Educa) y que tiene como base diversas fuentes: desde la psicología educativa y la pedagogía con autores como Piaget, Ausubelt, Vigotsky, Bruner, Eisner, Dewey o Freire, entre otros.

Otros autores han abordado posibilidades de interacción y aprendizaje que incluyen a las llamadas Inteligencias múltiples de Howard Gardner, al plantear actividades post visita o de reinterpretación al considerar el pensamiento filosófico, lingüístico, quinestésico, musical e incluso integrando las inteligencias interpersonal (relación con los otros) y la intrapersonal (que tiene relación directa con nosotros). La Filosofía para niños de Matew Lipman aporta las alternativas de talleres que integren experiencias de experimentación con y aquella de Rila Berkman y Eliot K Key que destacan la importancia de la conversación en el proceso de interacción con la obra de arte.

Aprender a mirar desde una experiencia primeriza libre, natural, espontánea, hasta la de aquellos que llegan desde un formato de «expertos» porque han acumulado referentes teóricos sobre el artista, su obra y su contexto y reconocen. En ambos casos se debe dar importancia a la formulación de preguntas sobre la obra y que llevan a quien observa al acercamiento al objeto de conocimiento, así como a generar juicios o apreciaciones estéticas (de valor) que posibilitan más lecturas, diálogos y encuentros con el arte, entre lo objetivo y subjetivo. !es el descubrimiento de las diferencias y el verdadero secreto de la participación». [1]

Los educadores o mediadores de museos para el diseño de activaciones o reinterpretaciones del arte necesitan considerar los conocimientos, experiencias y saberes previos del publico en el sentido más amplio, integrando sus habilidades cognitivas, creativas y emocionales para poder detonarlas: imaginación, razonamiento y sentimientos, en donde el arte es el medio ideal.

El museo-la escuela y la mediación artística, en donde el arte es una herramienta para la intervención socioeducativa, más allá de los procesos técnicos o formales, el arte se convierte en el proceso que acompaña a las personas más vulnerables en la potenciación de su autonomía e inclusión social. Una de las estrategias que es posible implementaren el proceso creativo es el juego, tal como Walt Disney lo propone en su metodología creativa: 1. El soñador, 2. el realista, 3. el crítico…

Papel que juega el arte, conocer contextos del pasado y como juega en el presente

Creatividad- museos-escuela- experiencias: La Creatividad es una expresión que está presente en todo lo que nos rodea que desafortunadamente se bloquea conforme los niños van creciendo y se establecen barreras creativas tanto en la casa,  la escuela, como en el trabajo; la escuela nos enseña que hay que dar respuestas cerradas y correctas. Ken Robinson destaca que la escuela es anacrónica, es decir

Howard Gardner en su libro Frames of Mind propone que la inteligencia es la «capacidad para solucionar problemas» y a partir de esta definición,  establece que existen varias formas, o inteligencias múltiples, para solucionar problemas y que cada individuo utiliza una combinación única y particular de estas inteligencias para solucionar un problema. Los tipos deinteligencias que propuso al iniciofueron siete; verbal/lingüística; lógico/matemática; visual/espacial; cuerpo/kinesética; musical/rítmica; interpersonal e intrapersonal.

Rowe propone que la Inteligencia creativa es una combinación de elementos  subjetivos que van desde una combinación del carácter, forma de percibir la realidad, modo de procesar la información, valores personales del individuo, reacción ante diferentes situaciones, qué hacemos y cómo lo conseguimos, etc

La creatividad en sentido limitado, se refiere a las aptitudes que son características de los individuos creadores, como la fluidez, la flexibilidad, la originalidad y el pensamiento divergente. No es el don de unos pocos escogidos, sino que es, una propiedad compartida por toda la humanidad en mayor o menor grado.

Guilford, Joy Paul (1952)

Fortalezas-debilidades. Obviamente, muchas situaciones no se prestan para ser resueltas mediante estrategias directas, sino que es necesario utilizar una forma de pensar flexible y original, esto es lo que se denomina pensamiento divergente. Según Guilford, el pensamiento divergente constituye un importante factor de la creatividad; muchas veces este tipo de pensamiento se manifiesta en una forma brillante y original de resolver los problemas. Las situaciones que no tienen una solución única, requieren de un enfoque sensible y de inventiva del pensamiento fuera de los moldes, maneras comunes y reglas establecidas.

El concepto laboratorio de arte trae al espacio del museo un concepto que enfatiza la experimentación con los ingredientes, sean estos, no solo plásticos, sino que integren otras expresiones artísticas. la mezcla de ingredientes, crear formulas para un resultado, pero integrar ingredientes nuevos. Cada sesión en el laboratorio implica ayudar a los visitantes a experimentar con nuevos soportes materiales: hojas, carboncillos, papeles de tamaños y colores distintos. Así como una gran variedad de materiales plásticos (plumones, colores, pinturas, masas, etc).

Inspirándonos también a propuestas creativas que en el pasado han propuesto alternativas artistas de experimentación; Como el movimiento que se desarrolló en 1929 fundado en Weimar, la Escuela de la Bauhaus, cuyo manifiesto de fundación proponía: “¡Arquitectos, escultores, pintores, todos debemos volver al artesanado!”

Co-creación y espacio de producción

Desde el paradigma de la complejidad, las experiencias para construir sentido con el arte nos propone:

• Abrirse a la incertidumbre que genera la obra de arte, el proceso creativo, los materiales, trabajo colaborativo o el espacio.

• Experimentar el museo desde diferentes categorías, permite integrar la multidimensionalidad, culturalidad e interdisciplinariedad que hay en él y dejar de verlos como ámbitos cerrados y disciplinares, solo desde la Educación artística, y que dejan de lado las relaciones complejas que podemos establecer entre materiales, expresiones o personas.

• Hacernos conscientes de ese sistema complejo (como lo hacen los expertos), para no encasillarlo o definirlo solo como algo racional, coherente y fijo (la parte más técnica).

• Complejizar la forma en que abordamos los contenidos de la obra de arte, permitirá establecer conexiones entre nuevos conceptos o temas, y asociar incluso dos conceptos que pueden ser complementarios y antagonistas a la vez.

• Reconocer que los sentidos son una parte fundamental de contacto con el mundo y durante la visita al museo se potencian. Durante la visita hacemos conexiones con nuestros saberes previos y experiencia personal.
• Explorar las diversas expresiones artísticas de una manera fresca y cuestionadora, da sentido a nuestra expresión creativa, para descubrir sus significados ocultos.

Innovación

Multidisciplinario

Experimentar

Un verdadero viaje de descubrimiento no consiste en

buscar nuevas tierras sino en tener una mirada nueva.

Marcel Proust

Abientes creativos. Laboratorio de Arte del Museo Nacional de Arte.

Referencias

[1] Antología. interdisciplinariedades escuela y arte. Tomo I. Conjunciones. pág 65.